Brimheim con Fables: il nuovo album in uscita nel 2027

Brimheim torna con Fables, il terzo album della musicista danese-faroese Helena Heinesen Rebensdorff. In uscita il 5 febbraio 2027 per Tambourhinoceros, il disco raccoglie dodici brani e sviluppa un universo narrativo ispirato alle arti visive, ai sogni e al linguaggio dei simboli. Un lavoro che si allontana dalle morali delle favole tradizionali per esplorare l’incertezza, le trasformazioni personali e le contraddizioni dell’esistenza.

Fables, un viaggio tra sogni e simboli

Da bambini impariamo che ogni favola contiene una morale. Le storie sembrano seguire una logica precisa, nella quale ogni azione produce una conseguenza e ogni vicenda conduce a un insegnamento. Con il passare degli anni, però, questa visione ordinata della realtà lascia spazio a interrogativi più complessi. È proprio da questa ambiguità che nasce Fables. Il terzo album di Brimheim si avvicina più all’immaginario di Kafka che a quello di Esopo. Le sue canzoni giocano con il desiderio di trovare spiegazioni e conclusioni definitive, ma evitano di offrire risposte semplici. La favola diventa così uno strumento per raccontare situazioni sospese, nelle quali qualcosa sembra sul punto di accadere senza arrivare mai a una conclusione. L’ascoltatore entra in un mondo in cui realtà e immaginazione si intrecciano continuamente.

Brimheim e la scrittura tra arti visive e immaginazione

Brimheim è il progetto musicale di Helena Heinesen Rebensdorff, artista danese-faroese che vive a Malmö, in Svezia, e ha un background nelle arti visive. Questo percorso influenza profondamente il suo modo di comporre e costruire storie attraverso la musica. Nei dodici brani di Fables ricorrono immagini e simboli che contribuiscono a definire l’identità del disco. Specchi, porte, campane, soglie e persino una balena diventano elementi di un racconto più ampio. Inoltre, l’artista utilizza questi riferimenti per esplorare l’inconscio e gli archetipi condivisi. Le canzoni non seguono necessariamente uno sviluppo lineare. Al contrario, lasciano spazio a interpretazioni differenti e a significati che cambiano in base alla prospettiva di chi ascolta.

La nascita del disco sull’isola faroese di Nólsoy

La lavorazione di Fables è arrivata dopo un intenso periodo di tournée legato al precedente album Ratking, pubblicato nel 2024. Per ritrovare nuove ispirazioni, Helena Heinesen Rebensdorff e il collaboratore Søren Buhl Lassen hanno scelto di trasferirsi temporaneamente in una piccola casa sull’isola faroese di Nólsoy. Qui hanno iniziato a scrivere immersi nell’oscurità dell’inverno e nelle tempeste dell’Atlantico settentrionale. L’ambiente ha contribuito alla nascita di canzoni caratterizzate da atmosfere fuori dal tempo e dallo spazio. Parallelamente, la musicista stava affrontando un’importante trasformazione personale. Aveva infatti interrotto una lunga terapia farmacologica, iniziata dopo una diagnosi errata che aveva condizionato quasi quindici anni della sua vita. Questa esperienza ha lasciato tracce significative nella scrittura. Il disco affronta così temi come l’identità, la paura, il cambiamento e la difficoltà di riconoscersi dopo aver attraversato periodi complessi.

Le influenze musicali: dagli anni Settanta a Father John Misty

Sul piano sonoro, Fables segna un cambiamento nel percorso di Brimheim. L’artista ha progressivamente abbandonato le dinamiche più tradizionali della chitarra elettrica per avvicinarsi al linguaggio armonico dei grandi cantautori degli anni Settanta. Tra i riferimenti principali figurano Father John Misty, con l’album Glovemaker di Loren Kramar e la scoperta di musicisti come Dory Previn, Judee Sill, Scott Walker e Nick Drake. In particolare, God’s Favorite Customer di Father John Misty ha contribuito alla ricerca di una dimensione musicale senza tempo. L’obiettivo non riguarda soltanto le sonorità, ma anche un preciso approccio estetico alla composizione. La ricerca di questa timelessness rappresenta quindi una delle coordinate creative del nuovo lavoro. Tuttavia, non costituisce l’unico elemento del disco, che alterna soluzioni pop, arrangiamenti orchestrali e atmosfere vicine alla musica folk.

My Collection e Sweet, Sweet Dark: le prime storie dell’album

Il primo singolo, My Collection, introduce uno degli aspetti centrali dell’immaginario narrativo di Brimheim. La canzone racconta la storia di una misteriosa collezionista, interessata a custodire oggetti che gli altri hanno scartato. La protagonista offre qualcosa di prezioso, ma pone una condizione: chi lo riceve deve riconoscerne il valore. In caso contrario, le conseguenze possono diventare estreme. Il brano utilizza così una situazione apparentemente fiabesca per riflettere sul modo in cui attribuiamo importanza alle cose. Un’altra prospettiva emerge in Sweet, Sweet Dark. Qui l’oscurità assume il ruolo di una figura seducente e materna, capace di offrire conforto ma anche di trasformarsi in una presenza pericolosa. Il racconto richiama le storie tradizionali nelle quali il diavolo tenta i protagonisti. Tuttavia, Brimheim sposta l’attenzione sulle scelte che ogni persona si trova ad affrontare più volte nel corso della vita.

In Girl at the Door e Somebody Else il tema dell’identità

Il rapporto con l’inconscio e con i simboli collettivi emerge in modo particolare in Girl at the Door. La canzone racconta l’arrivo di una versione più giovane della protagonista, intenzionata a smantellare la vita che quest’ultima ha costruito. Resta però un interrogativo centrale: quella figura sta distruggendo qualcosa di falso oppure rischia di compromettere qualcosa di prezioso? Come accade spesso nelle composizioni dell’artista, il brano non offre una soluzione definitiva. Anche il nuovo singolo Somebody Else affronta il tema dell’identità, questa volta attraverso suggestioni pop dal sapore rétro. La protagonista osserva il proprio riflesso in uno specchio infranto e immagina di ricostruire una nuova versione di sé partendo dai frammenti. La canzone suggerisce una riflessione sulla crescita personale: diventare adulti non significa necessariamente raggiungere una condizione di completezza. A volte, il cambiamento comporta nuove domande anziché certezze.

Le altre canzoni tra passaggi, tentazioni e bellezza

Il tema delle soglie attraversa diversi momenti di Fables. In Deep Sea Creature, un ponte diventa il centro di una narrazione arricchita da archi ispirati a Five Leaves Left di Nick Drake. In Arsenic, invece, compare una corda di velluto. Un gesto aggressivo si trasforma in un bacio, dando vita a un’immagine che mette in discussione il confine tra violenza e seduzione. Il percorso si conclude con Sainte-Chapelle (Paris, Baby), un brano luminoso impreziosito dagli ottoni. La canzone racconta una bellezza che sembra finalmente raggiungibile, ma che sfugge proprio quando appare più vicina. Tra i brani figura anche iPad Glare, quello che guarda più apertamente alla contemporaneità. La composizione conserva la struttura simbolica della favola tradizionale e affronta il rapporto tra il conforto immediato e le conseguenze a lungo termine. Le linee di mellotron, ispirate al musicista svizzero Anatole Muster, si intrecciano con atmosfere luminose e richiami alla danza folk. Al centro c’è il conflitto tra l’anestesia digitale e il desiderio di ritrovare qualcosa di più autentico.

Fables, una favola senza morale definitiva

Se le favole tradizionali accompagnano i protagonisti verso una soluzione, Fables preferisce lasciarli in attesa. I personaggi cercano un salvataggio, un segnale o una conferma del proprio valore. Tuttavia, il disco non interpreta questa condizione come una rinuncia. Anche quando affrontano paura, insicurezza e autosabotaggio, i protagonisti conservano la possibilità di scegliere. È proprio questa libertà, pur accompagnata dall’incertezza, a rappresentare uno degli elementi centrali del progetto. Per Brimheim, trasformare le proprie emozioni in canzoni significa anche riuscire a osservarle con maggiore distanza, riconoscerne le contraddizioni e affrontarle con uno sguardo più gentile. Con Fables, in uscita il 5 febbraio 2027 per Tambourhinoceros, Helena Heinesen Rebensdorff prosegue così il proprio percorso artistico attraverso dodici composizioni che uniscono narrazione, ricerca sonora e introspezione. Un album che rinuncia alle risposte definitive e sceglie di esplorare le domande, lasciando all’ascoltatore la libertà di trovare i propri significati. (La redazione)

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