Wavelength di Shane Sato: quando il soul scorre lentamente

Shane Sato appartiene a quella categoria di musicisti che sembrano sempre un passo laterali rispetto alla scena, come se il mainstream fosse una festa rumorosa vista attraverso una finestra leggermente appannata, di quelle che guardi e vedi che succede di tutto ma tu non sei del tutto sicuro di voler entrare. Con il secondo album Wavelength, il musicista e producer nippo-americano di base a Los Angeles si prende però tutto lo spazio che gli serve, costruendo un disco che suona come un ecosistema più che come una semplice raccolta di brani.

Le contaminazioni

Dentro ci trovi lofi jazz, indie r&b e neo soul che non si limitano a convivere, ma si contaminano, sostenuti da una rete di collaborazioni che funziona più come comunità creativa che come lista ospiti da esibire. Braxton Cook, Box Dreams, Oli-J, Reuben James, Nao Yoshioka e altri contribuiscono a un disco che sembra respirare collettivamente, con una coerenza emotiva che ruota attorno a temi piuttosto semplici ma difficili da suonare senza diventare banali: amore, connessione, e quella calma particolare che arriva quando si smette di controllare tutto, un po’ come quando si disattiva per 24 ore il doomscrolling e improvvisamente non succede nulla di grave.

Tra soul e jazz

Brani come Never Let You Go, nato da una jam post-matrimonio, portano il lato più caldo e diretto del progetto, mentre Deep Dive scava in una dimensione più introspettiva e notturna, e Surfliner trasforma il movimento in linguaggio emotivo. Altrove Clouds mette in primo piano la sensibilità jazz più vocale e riflessiva, mentre Pulse si spinge in territori più elettronici, con una vena lo-fi dance che alleggerisce l’impianto complessivo senza snaturarlo. Nel mezzo, il disco continua a muoversi per oscillazioni sottili, tra soul, jazz e momenti più rarefatti.

Oscillazioni fluide

La sensazione ascoltando Wavelength è quella di un moto leggero e ondoso, come una corrente che attraversa il disco senza mai spezzarne la direzione, lasciando che tutto fluisca con naturalezza. Sato non forza il virtuosismo, non cerca il colpo di teatro, preferisce una scrittura fluida, quasi organica, che lascia spazio all’ascolto e alle sue deviazioni. L’acqua, evocata come filo conduttore dell’intero progetto, diventa qui più di una semplice immagine concettuale: è il principio stesso di funzionamento del disco, il modo in cui respira e si trasforma, costruendo un linguaggio coerente e riconoscibile, un po’ come una terapia gentile che non promette di “aggiustarti la vita” ma almeno ti evita di peggiorarla tra una riunione Zoom e l’altra. (Adaja Inira)